カテゴリー: 岸本悠太

音楽を構成するものはもちろん音であるので、それに関しては色々と思うところが色々とあるわけです。音以外のもので構成される音楽があるのかという屁理屈はまたの機会があれば。というか音については以前にも書いたのだけれど、消してしまったので再度。最低限のことしか書かないし詳しいことは詳しく書いてる人がいくらでもいるので気になったら調べて欲しい。

【注意】基本的には考えながら書いていくので内容は大して、というか全くまとまっていないものになるだろうことは予め言っておくので忙しい人はWikipediaとかを見たほうがいいと思う。暇な人は考えながら読んでいただいて、遠慮せず「いや、○○はどうなの？」「それはどうかと思う」とかコメントでもTwitterででもツッコミを入れてくれれば嬉しい限りです。

音とは何か

人間が認識する音というのは、まず音を発する物体が振動し、その振動が媒質を伝わって耳へと至り鼓膜を揺らし、聴覚神経が電気信号へと変換して脳に到達する。媒質とか言う言葉を使ったけれど大抵の場合は空気と捉えてもらって構わない。（水中にいたりすれば媒質は空気ではなくて水になる。）脳に到達したとして、意識が認識するかどうかという部分もある。

発音体の振動
↓
媒質（空気など）による伝播
↓
感覚器（耳）による知覚
↓
脳による処理・認識

生の楽器であったり自然界で発生する音であれば耳に入るまでに、風速とか媒質の密度とかあとは反射音なんかに影響を受ける。ヘッドフォンとかイヤフォンというのも耳のすぐそこにスピーカーが合って小さく振動して振動を生み出しているので前述の影響は受けづらい。骨振動なんていうのが一時期出てきてすぐいなくなった気がするけどあれは媒質が人体の骨になったと思えばいいんじゃないか。いずれにしろ、ただ「聞く」という行為においてはその経路について考える必要はあまりない。（「聞く」という点においてオーディオ環境を整えようとする人は発音体までの経路を考える必要がある。）「音を作る」側になるとその経路やその周囲の知識について無いよりはあったほうがいいだろう。マイクを立てて録音する時、ミックスをする時、アレンジをするにあたって音響を考える時、なんかに役に立つ。

波形による表示

媒質、つまりは空気や水というのは無数の細かい粒子でなっていて、そこを音が伝わるときには粒子の密度が変化する。その密度変化を振動と言っているわけだけれども、それをグラフ化したものがよく見る音の波形だ。縦が振幅（振動の大きさ）で、音の大きさを表している。横が時間軸になっていて、細かい波ほど周波数の高い音・横に広がった波ほど周波数の低い音。

周波数は一定時間当たりの振動の回数で、1秒あたりの振動の回数をHzで表している。音叉の音にあるようなA=440Hzの音は、1秒に440回の振動をしている。人間の可聴領域（耳で聞き取れる音の範囲）は個人差はあるもののおよそ20-20000Hzと言われている。音の大きさはdBで表され、その数値の増減と聴覚上の音量の増減は指数的に関係しているのだけど正確な値は忘れたし数字で気にすることも殆ど無いと思う。

マイクはその中に、音によって振動する板があってその振動が電磁気とかコンデンサの原理によって電気信号の波形に変換されて録音機まで伝達され、録音機の録音形式に応じた形に変換されて記録される。子供の頃、レコードの仕組みを知らなかったのだけれども、ある日レコードは波形をそのまま彫り込んであるということを知って頭おかしいと思ったしそりゃ高域の音は削られちゃうよなって思いました。DAWによって録音するのであれば、オーディオインターフェースが電気信号をデジタルなデータに変換してくれてPCにそのデータを渡して記録される。

音量・音高・音色

いわゆる音の三要素。

音量は前述の振幅で表され、波形の縦の広がりで直感的に見ることができる。録音の際に振幅がマイクやオーディオインターフェースなどの受容できる幅を超えるといわゆる音割れが発生する。マイク部分で発生する音割れはアナログな音割れで、マイクに負担がかかる。インターフェースで発生する音割れはデジタルな音割れで、耳に負担がかかる。32bit floatであれば回避できるとかなんとからしいけどやむを得ない場合以外そもそも発生しないようにしたい。音割れが発生してしまうとそれを別の処理で取り除くことは現状できないんじゃないか。時代が進めばわからない。

音の高さ、音高も同様に前述の周波数で表され、波形の横の広がりで見ることはできるが、音量ほど直感的に見ることができるとも言いがたい。理由は後述する。録音の際には44.1kHzとか48kHzといった呪文が登場するが、これはどのくらいの周波数まで正確にデータ化できるかの値で、数値の半分の周波数までは正確にデータ化される。詳しくはwavのサンプリング周波数でググッて。人の可聴領域がおよそ20kHzまでなので44.1とか48あれば十分だろうと考えられてきたが、ちょっと前からハイレゾとか言って96kHzとか192kHzのサンプル周波数のものも出てきた。未だに体験してないのでなんとも言えないけれどそもそもそれに対応した再生機器と再生環境も無いので遠い世界の話だと思っている。

音色はおんしょく、と読んでもいいし、ねいろ、と読んでもいい。単一の音であれば音色によっては波形から見ることも出来なくはないが、基本的には無理だと思う。音色は三要素と一般には言われてはいるけれどその実、音量と音高から成るものだと言っても差し支え無いと考えている。説明に必要な前提知識をまだ説明していないのでこれも後述する。

サイン波

聴覚検査で聞き覚えがある音。正弦波とも呼ばれる辺りで当たりがつくように三角関数で出てきたf(x)=sine(x)のグラフの形を持った波形。一番シンプルな形の波形なので周波数の話を掘り下げる前に紹介しておきたかった。サイン波には周波数が一つしか含まれていない。0地点から山＞０＞谷＞０と戻ってくるまでが一回の振動で、一秒間にこの山谷が何個含まれているかが単純に周波数になる。

周波数

少し複雑な波形を見てみる。

サイン波と同様に、0＞山＞0＞谷＞0と大まかにはなっているが、その間にも山と谷が出現している。これは複数の周波数のサイン波が同時に鳴っているような音の波形で、世の中の音はサイン波以外はこのように一つの周波数では表せないようになっている。それでもこの波形の場合は大まかに規則的な起伏になっていて、その周波数を基音と言い、それ以外の細かい起伏を成している周波数を倍音という。音色はつまりはこの基音と倍音の構成によって一つは成っている。

これはピアノの音の波形。もはや何がなんだかわからない。実はピアノの低音の鍵盤を強く叩いたものなのでかなり高い周波数が混ざっているがためにこうなっている。この波形から周波数を読み解くのは難易度が高い。じっくり見ていけばできるのかもしれないけどやる意味は無い。

これは曲の一部を切り抜いたもの。一部と言ってもほんの一瞬なのだけれども。曲なのでいろいろな音が同時に鳴っているが、先ほどのピアノより逆に波らしきものが見える。これはキックドラムやベースが鳴っているためにこのようになっている。キックの低い成分はそのキックの種類によりけりではあるけれども40-60Hzくらいの低い周波数成分まであり、かつ音量もそれなりにあるために波形にこのような影響を及ぼす。ベースもこの曲はシンセベースなので60Hzくらいまではあるんじゃないか。ちなみにこの部分、他にギター・シンセ・ハイハット等色々鳴っているのだけれどそれらは細かい波に含まれている。と言っても波形から何の楽器があるかがわかる人が果たしているのだろうか。

周波数に関してもう少し。周波数が２倍になると12音律で言うところのオクターブが一つ上になる。（ドの音の周波数を2倍にすると上のドの音になる。）4倍でオクターブ2つ上、8倍でオクターブ3つ上、という指数関数になっている。なのでEQやスペクトラムアナライザーの周波数を示す軸は対数軸で表されている。周波数と音律の関係も後述する。

周波数によって人間の知覚は感度が異なり、低い音は聞き取りにくく、500Hz-10kHzくらいの音は聞こえやすく、それ以上になるとまた少し聞こえづらくなる。この周波数と耳の感度をグラフ化したものが等ラウドネス曲線でググると出てくると思うので頭の片隅に置いとくと便利。

基音と倍音

様々な周波数が織り重なることによって音色は変化する。その音にどのような周波数が含まれているかはスペクトラムアナライザー（以下スペアナ）を見ることで可視化できる。スペアナで一番低く、かつ音量の大きな周波数を基音と見ていいだろう。基音の音程がその音色の音程となる。中にはシンセで作った音のように基音が一番大きくない、とか基音より下の周波数成分がある、なんてこともあるが、別に基音の定義云々を曲を作る上で考える必要はないのでここまで書いて蛇足だったなって思ってる。倍音は基本的には基音を整数倍した音、と言われるが、実際には整数倍からはずれていたり、シンセで音を作る場合なんかには必ずしもそうとは限らない。

後述するといった音色に関して。音色は「基音と倍音の構成比」「周波数成分の時間的変化」によって成っている。時間的変化というのは音量の変化と周波数そのものの変化を含んでいる。ここまでで前述の三要素を三要素たらしめるべく言い換えるなら、「音量＝音量変化」「音色＝周波数成分」「音高＝基音周波数」といったところか。音色という言葉が色々と含みすぎていてそもそも要素として適当なのかという疑問がある。まぁいいや。

この辺までの知識とシンセの基本的な使い方がわかればシンセで自由に音作りができると思うし、周波数のお話はミックスするときなんかに役立つと思う。

楽音と噪音

ノイズかそうじゃないかって話。あんまり必要はない話。音楽はどんどんノイズ化していると個人的には見ているのでこの先どうなるかは分からない。倍音過多になっていったり、基音周波数がどれだかわからないような複雑な周波数構成の音になると音はノイズ化していく。逆にいうとノイズから特徴を抽出していけば楽音になる。音程を取れるものが楽音、そうでないものを噪音と言ってもいいかもしれない。音程が取れていてもひどく歪んでしまっている音は人によってはノイズになりうるだろうし、噪音でもシンバルの音やスネアの音などは楽音として扱われる。ティンパニーは音程が聞き取れるので太鼓ではあるが楽音か。ブロステップに用いられるワブルベースなんかはかなり歪んでいるのでノイズに近く、モノによっては音程も定かではない。音圧競争なんていう言葉もあるみたいだけれど極端にマキシマイズされた音源はもはやホワイトノイズに近い。IDMなんかはノイズを音楽的に扱っているようなものが多い。

何が言いたいかというのも特に無いのだけれど、楽音と噪音という言葉はあるけれども線引きは人それぞれなので、噪音だからといって音楽に使えないということはないし、逆に音楽を構築する上で排除すべき噪音というものもあるけれど、結局は自分の耳で感じたものが全てなのでやっぱりこの話はなかったことにしていいのかもしれない。

音律（さわりだけ）

果たしてこのページに含むべきかどうかは迷うところではあるけれども音から音楽への入り口として。周波数を2倍するとオクターブが1つ上がるという話をした。440Hzと880Hzは1オクターブ離れており、これは波形でいうと、880Hzの波形の山がちょうど2つ440Hzの波形の山1つに収まる状態。この1オクターブの中を12個に均等に割ったものが12音律における平均律であり、更にそこにドレミだとかハニホだとかCDEといった音名をつけて呼んでいる。均等に割っていると言っても、440/12=36.666…Hzずつ周波数が上がっていっているわけではなく、先に書いたとおり周波数の増減と音高の増減は指数的に対応しているので、無理に指数で表すなら、2^(1/12)Hzずつ周波数は上がっていく。暇な人はlogでも使って計算すれば任意のn音律が作れる。自分は6年ほど前に10音律の周波数を計算してみたものの、その音を出せる環境を構築できなかったしサイン波で和音を試してみたところ、なんとも言えない結果になったのでその後特に何もしていない。

ということで次は音律の辺りから入ってもう少し音楽的なところを書ければと思う。

自分が必要と思う範囲だけさらっと流した内容なので、詳しく知りたい人は詳しく書いてあるページがいくらでもあるのでそちらで調べてください。

作曲の流れと言っても人によってそれぞれだし作りたいものによってもそれぞれだしその時々でもそれぞれだし「これだ！」と言えるものはないので一例を紹介していく。

起点からふくらませる

起点となる要素をまず作り、そこから関連する要素へ膨らませていくという至って素直な方法。要素として、メロディ・コード・ベース・リズムを想定する。歌詞からはメロディが導き出せ、メロディからは歌詞・コードが導き出せる、コードからはメロディ・ベースが導き出せる、ベースからはコード・リズムが導き出せる、リズムからはベースが導き出せる、ので以下のようになる。

歌詞　＜＞　メロディ　＜＞　コード　＜＞　ベース　＜＞　リズム

起点を好きな様に決めて、好きな方向へ辿ればいいだけ。どうやって辿るかも簡単に書いておく。

歌詞　＞　メロディ

思いつきに任せる方法と、言葉のリズムやアクセントや言葉運びから考える方法とが思いつく。思いつきに任せる場合にはどのくらいのテンポで歌いたいのかをまずだいたい想定して適当に歌ってみるだとか。リズムやアクセントを考慮しておおまかな動きを決めたらあとはそれをスケールに当てはめて色々動かしたりすればいいんじゃないか。自分でどうやるっけ、って考えてみたけど詩先で考えることが最近全く無いので困っている。昔の曲は「この言葉はこういうリズム、音の動きで歌いたい」っていうのを部分部分決めていって、合間合間をつなぐように埋めていたし、今でも多分そんな感じだと思う。ほんと役に立たねぇなこの記事。

メロディ　＞　歌詞

だいたい上と同じ。思いつきか、この音の動きならこういうアクセントの言葉は合わないな、こういうアクセントの言葉が合うな、とか。あとはこのフレーズの雰囲気だとこういう言葉は雰囲気が合わないな、とか雰囲気全くあってないけどそれが逆にええな、とか。うわ、役に立たねぇな、この記事。

メロディ　＞　コード

詳しく書くと大変な量になりそうなので簡単に。
メロディの音を元に、コードとどう響き合うかを考えていく。簡単にしてしまうと、コードの構成音とメロディーの音を一致させたり近づけたりする。例としてカエルの歌を考えると、「ドレミファミレドー」というメロディーなんだけれども、このメロディーの中で一番印象に強いのが一番最初に拍の頭にある音「ド」なので、「ド」が構成音に含まれるコードを考えてみる。あまり複雑にしないためにも三和音のメジャー・マイナーのみで考えると条件に合うコードは６つ。Cメジャー、Cマイナー、Fメジャー、Fマイナー、A♭メジャー、Aマイナー。条件を四和音とかに広げるともちろん他にも出てくるが。ここからさらに他の音的条件から絞っていくこともできるけどそれをやってくと長くなるな、ということで今回は実際に弾いてみる。

CマイナーとA♭メジャーはちょっと厳しいかな、Fマイナーはギリギリいけるかな、Cメジャー、Fメジャー、Aマイナーはいけるな、っていうのがわかると思う。あとは欲しい雰囲気に合わせてコードをチョイスすればいい。今回は、三和音のみ、メロディーに対してコード１つ、でつけたけれども、他にも使えるコードはあるしこのメロディーに対してコードを２つ以上進行させてもいい。求めるものが実現できればなんだっていい。こんな感じで。

慣れてくるとこれくらいのことは即興で出来るようになるし、ジャズの人なんかは多分もっとおしゃれなコードなんかも交えておしゃれな感じにしてくれると思う（ジャズに対しての貧困なイメージ）

詳しくは別記事で書く予定。

コード　＞　メロディ

だいたい上と同じ。っていうか逆のことやるだけ。とはいえ、メロディからコードを作る場合に比べて選択肢はかなり広がるので困るけど、何もないところからメロディだけ作るよりはコードによって制限がかかるので楽なようなその制限のせいで結局コードを変えることにもなったりとか。上では言わなかったんですけど、スケールを使って考えてくと楽になったり。でも下手なスケールの使い方だと「あぁこのスケールを知って嬉しくなって使っちゃったんだね～」ってうっすら見えちゃったりする。不思議。

コード　＞　ベース

コードのルート音をベースで弾きましょう。以上。といきたいんですけどベースによってリズムの輪郭も見えてきますのでその辺も意識しながら。なんかもうこの辺来ると実例どんどん上げたくなるけど今回は上げない。ベースがルートをずっと弾いてればいいかってそれでもいいんですけど少しフレーズ入れたり次のルートに繋がるような動きを入れたり、リズムを感じさせるようなリズムにしたり。

ベース　＞　コード

ルートから導き出されるコードを作っていく。これは比較的選択肢の少ない工程だと思う。逆にコードを考えてくにあたってベースが変更されたり。あんまり書くこと無いです。

ベース　＞　リズム

この工程が個人的には書く上で一番厄介。というのも、これでベースとリズムが決まれば曲はほとんどできたも同然なんですよ、僕にとっては。多分、頭のなかのイメージを掘り出していく中でベースとリズムが一番苦手なのでここさえ掘り出せてしまえばあとは頭のなかの音置いてくだけなんですよ。なので、自分の中ではこの工程が曲のほぼすべてを握っていて、ここの掘り方によってその後の置き方も決まってくるという。果たしてそれが他の人にも当てはまるのかどうか。まぁリズム隊（ベース・ドラム）は骨格みたいなもんなのでそんなに変わらないだろう。多分。

基本的にはベースのリズムに合わせたり、絡めたりしてリズムを決定していく。ベースにリズムがあまりないときはやりたい放題。って言う感じ。で。す。

リズム　＞　ベース

同上。リズムだけではキーも何も決まっていないのでベースを決めていく段階でそれが決定されることになる。

途中で、うわ、長くなる、と思ったので簡潔にしていったら後半がひどいですね。ひどいです。

セッションから

バンドだとできる方法。なんですけど、これって結局誰か一人から始まったり、キーとかを予め決めてからやるので結局は上で書いたやつを各々が同時にやってるってだけなんですよね。セッションしたものを録音してそれを譜面に起こしたり、使えるところだけ抜き出して並べ替えたり、だれかがそれを基に編曲したり、とかその先はいろいろ考えられる。基本的には勢い重視。予め決めておけば世界観も出せなくはないけど、世界観をはっきり出したい時にセッションという方法を選ぶかというと多分選ばない。

これ以上思いつかないのでとりあえずここまでにしておく。思いついたら追記する。

曲とはなにか、音とは、音楽とは、そして宇宙とは。知らんわ。

基本的には考えながら書いていくので、内容は大して、というか全くまとまっていないものになるだろうことは予め言っておくので忙しい人はWikipediaとかを見たほうがいいと思う。暇な人は考えながら読んでいただいて、遠慮せず「いや、○○はどうなの？」「それはどうかと思う」とかコメントでもTwitterででもツッコミを入れてくれれば嬉しい限りです。

曲の三要素

一般的な曲の三要素としては、メロディ・コード・リズム、日本語にすると、旋律・和声・律動、とかって言います。とかって言いはしますものの、メロディのない曲だってあるし独唱であれば、ホーミーとかでも使わない限りはコードも無いって言えば無いのでなんとも。時間経過が存在する限り、広義としてのリズムは存在すると言い切ってもいいのではなかろうか。（暴論）などと屁理屈を言っていても全く実体が見えては来ないので１つずつ考えてみる。

それぞれの作り方であるとか、考え方については別途記事を作る予定。

メロディ・旋律

なんとなく、あぁあれだな、ってのはわかると思います、わかりますよね？（横暴）えーと、えーと、あー、すごい、１個目から躓いたぞ、この記事、あー、すっごい、あー。つまづいたのでメロディーの例を挙げたうえで考えていく。

歌が入っている曲であれば、歌が歌っている音の動きがメロディー。曲のイントロや曲の途中でギターさんが他を押しのけて目立って弾いているフレーズ、これもメロディー。オーケストラの曲には様々な楽器が含まれているが、場面場面で主に耳の向かう楽器（多少の個人差はあるだろうけど屁理屈はあとにしてください）が奏でる音の動き、これもメロディー。

・単音で鳴らされ、曲の場面場面で主体となる音の動き

ということでどうか。

正直、メロディーの定義は人それぞれ、な部分が多分にあるので歯切れよく「これがメロディーじゃ！」と言い切ることができない。メロディーと、メロディーでないものの線引きは人によってかなり異なってくると思う。例えばギターリフ。一口にギターリフと言ってもこれもまた定義が難しくて会話の中で齟齬が生まれがちではあるのだけれど。バンド形態の曲のイントロでギタリストが繰り返す印象的なフレーズ（リフレイン）とでもとりあえずここでは定義しておく。ギターリフはメロディーか否か、と聞かれた時、音を伴っていない現時点では「そんなもんそのリフによるだろ」という意見が大勢を占めると思うのだけれど、いざ音があったとするとその大勢は方々に散ってしまうと思われる。

「間違いなくメロディーだね」
「どちらかといえばメロディ的かな」
「旋律性を少し含んだバッキング寄りのものかな」
「ほーん、これはバッキングやな（ﾊﾅﾎｼﾞｰ」

旋律的、だとか伴奏的、といった匙加減も個人によるので会話の際には相手の尺度を理解するよう努めたい（自分に言い聞かせる）。この旋律的である、だとか、伴奏的である、を突き詰めて数値化していけば自動作曲プログラムなんかは非常に捗るんじゃないだろうか。やってる人はもうやってるか。

担当する楽器としては声であったりギターであったりベースであったりピアノであったりヴァイオリンであったり、もう枚挙に暇がないし、もうほんとなんでもいいと思う。打楽器も音程を持つクロマチックなパーカッションは結構あるし、ノイズですら音程をつけることができないわけでもない。基本的には先に上げたような「聞こえやすい音」が担うことが多い。聞こえにくい音も聞こえやすくすればメロディーを担えるし、聞こえにくい音のままでも他の音をさらに聞こえにくくしとけばメロディーを担える。

コード・和声・和音

２つ以上の音を重ねたもの。ピアノで鍵盤を２つ以上押さえて鳴ったものが和音。ギターで２本以上の弦を振動させて鳴ったものが和音。というかサイン波以外の音は異なる周波数（音程）のサイン波の積み重ねに分解することができるので、人が一つの音と認識していても実はそれは複雑なサイン波の和音と言ってしまうこともできるのではないだろうか。そうですね。と、いうことなので音を2つ以上鳴らしておけば条件クリアです。以上です。

和音を構成する音の組み合わせによって呼ぶためのコードネームが決まっていたり和音を鳴らす順番（コード進行）とかまでここで触れだしてしまうと際限がなくなるので今回は触れない。触れたところで僕自身がコードに対しては、鳴らしたい音鳴らせばいいじゃん、なスタンスなので詳しくないです。以前に理論書じみたものを読んでみたんですけどもうほとんど忘れた。理論なんてものは技法に一貫性を持たせて名前をつけただけのものです。色の名前を知らなくても絵は描けるし有名な書道家の名前を知らなくても文章は書ける。けれども、イチからやるなら技法にまとまったものを学んだほうが早いし、他社との対話には色の名前が必要になってくるので多くの場合は損になることもないと思う。僕は理論書（じみたもの）を読んでしばらくは余計な言語変換プロセスが入ってしまい、それのせいで遅延と混乱を来しました。何も考えずにぼーっとピアノを弾いていた報い。

コードネームに関して簡単に触れておくと、「ドとミとソを重ねて弾いた和音」に「Cメジャー」という名前が付いている。そこにさらにシの音を加えると「Cmaj7(Cメジャーセブンス)」という名前になる。要するに鳴らされる音を記号的に表しただけのもの。ドレミファソラシの代わりにCDEFGABのアルファベットと数字・♯♭を用いて表す。コード進行を表す際にはローマ数字がアルファベットの代わりに使われたりする。とかって言葉で説明してもよくわからなさそうなのでその辺に関する説明はこの辺でやめとく。

コードの中で最も低い音をルート音と呼び、これが先ほどのコードネームのアルファベット部分になる。一般的にはベースがルート音を鳴らしててその上にコードの構成音がいろんな楽器で積み重なるイメージ。メロディーもこの構成音に含まれたり含まれなかったりする。ギターのコードバッキング、シンセのパッド、ストリングスのアンサンブル、ピアノのコードワーク、シンセの細かいシーケンス、これもいくらでもやりようはある。

リズム・律動

狭義で捉えればリズム楽器のパターン、広義で捉えれば音の時間的変化。広義過ぎてなんのことかわからんけど、時間の経過とともに音に変化があったらそれはもうリズムと捉えられると思う。メロディーのリズムが～とかってのも結構言ったりもするが、主にはドラム、パーカッションのことを指すことのほうが多い。単純にドラムのパターンだけでなく拍やBPMなんかとも絡むし、アレンジやミックスの際にも色々気になったりするので考え始めると結構色々考えられる。メロディーの時に数値化の話をしたが、リズムは数値化しやすいというのも色々考えてしまう原因か。

ドラムといって多く想像されるのがスタンダードなドラムセットだと思う。キック・スネア・タム・ハイハット・各種シンバルから成る一連のセットで、とりあえず必要と思われるものは揃っている。とはいえ、別にキックがなければならないわけでもないしハイハットが鳴らされていなければならないわけでもなく、それぞれ何らかの役割があるから鳴らされているというだけなので必要なければ全部使う必要もない。とりあえずはドラムは定型パターンがあるのでそれに頼るでも変なことにはそうそうはならない。

拍・BPMに関してはそれによってメロディーも影響を受けてくる。3拍を4小節のリズムパターンに4拍を4小節のメロディーを乗せることはできない。4拍を3小節なら乗せられるが、アクセントに不整合が生じる。不整合が生じても構わないならそれは不都合ではない。細かいリズムをあまりにも早いBPMに設定すると細部のニュアンスが感じられなくなってしまったり、演奏をすることがあるような曲の場合はそもそも演奏できない可能性も。ただ、拍・BPMは作り始める時には意識せずとも最初っから勝手に自分の中で決まってることがほとんどだと思われるのでそこまで深く考えることもない。音ではなくコンセプトから作り始める際には考える必要があるかも知れないが。

実際例（楽器が担う要素）

独唱

一人の声のみなのでメロディはあるがコードが存在しない。言うまでもなく唯一の声がメロディを担っている。リズムはメロディに含まれてはいるがリズム楽器によるようなはっきりとしたリズムがあるわけではない。

弾き語り

ピアノの弾き語り、ギターの弾き語りなどがあると思うが、声と伴奏楽器と分ける。声がメロディ、伴奏楽器がコード・リズムを担う。独唱の例と同じようにメロディにもリズムは含まれているが、より主体的にリズムを体現するのは伴奏楽器のほうになる。

混声合唱

独唱にコード要素が加わる。リズム要素はやはり薄い構成が多いと思われるが、メロディ以外を担える声が増えるのでリズムも出しやすい。

バンド

声・ギター・ベース・ドラム、の基本的な構成で考えると、声はやはりメロディ、ギター・ベースがコード、ドラムがリズム。ギター・ベースはドラムと絡んでリズムを成す一員にもなるし、声のないところではギターがメロディを担う部分もあるだろう。

テクノ

テクノって一口に言っても、色々あるんですけど。めちゃくちゃシンプルなテクノってメロディ無いじゃないですか、そう言うの想像してください。もうコードもほとんど無いの。ベースだけとか、ヘタしたらベースも音程動かないとか鳴ってない、みたいなの。想像できました？できましたね？はい、もうこれリズムだけです。そういう例を出したかっただけです。

正直、作曲時に要素とか考える必要性は特にない

「よーし曲を作ろう」
「まずはメロディだ」
「そこにコードを付けて」
「リズムを付けて・・・」

なんて風にこの三要素を気にして考える必要は特に無い。コードがなければ曲じゃない、というわけではないしメロディがなければ曲じゃない、ということもない。っていうか作ってるうちに気づけば勝手に全部揃ってるんじゃないか。曲の要素を分解することを考えた時に一つ例としてわかりやすいかなと思っただけで、書いているうちに別にこれ書かなくても良かったんじゃないかとも思い始めた。ちなみに日本においてはメロディとコードをつくるとその時点で作曲になるとかならないとか。その辺の定義とかやり方はそれぞれで違ってくるかと思う。L-toneの表記で「作曲:note 編曲:luna（yuta kishimoto）」となってる場合、メロディはnoteの持ってきたものをそのまま使うこともあれば、メロディから何から全て変えてしまうこともあるので先の作曲の定義には沿っていない。

三要素以外の要素分け

僕が思いつくままに曲というものを要素に分解していきます。

歌
├　歌詞
├　メロディ
├　ハモリ
└　声色

伴奏（歌以外のもの）
├　メロディ
├　コード進行
├　音色
├　リズム（リズム楽器との絡み）
└　ベース（低音）

さっきまでの三要素の説明は何だったのかというような要素になった。他にも、

・高音部
・中音部
・低音部

なんて分け方もできるし、

・真ん中で鳴る音
・左のほうで鳴る音
・右のほうで鳴る音

でもいいし、

・アナログな音
・デジタルな音

なんて分け方でもいいと思う。もう曲の三要素とか関係ないっすね。

どうでもいい内容の割に長くなりました。

個人的な経験と考えなので参考になるかどうか

なんとなく全部思いつく

　曲が降ってくる、って言ったり言わなかったりするやつ。細かく考えると後述するそれぞれの工程が高速に織りなされた結果である気もする。ある程度慣れていないと細かい部分が見えなかったり、形にするときに困ったりする。乗りに乗ってると一瞬で曲が出来上がるカタルシスを味わえる反面、形にしている間に最初の頭のなかの形を忘れて別物になってたり、いざ作ってみたらなんかのパクリだった、みたいなこともある。いつ思いつくかはランダムなので当てにはできない。

メロディから（フレーズから）

　メロディが降ってくる、って言ったり言わなかったりするやつ。曲を作ろうとか考えてない時に来るので大体すぐ忘れる。運良くスマホに録音したとしても録音した事自体忘れてたりする。個人的には頻度も少ないしありがちなものしか思いつかないのであまり使わない。歌モノを作るならここから始めるのがいいのでは。メロディを決定することで大体のテンポが決まり、コード進行がある程度絞られ、リズムもまぁある程度決まる。先に歌詞があるとメロディも考えやすい。跳躍がどうのとかリフレインがどうのとか考えてもいいけど考えるのめんどくさいから考えない。

　歌のメロディだけではなく、他の楽器のメロディから、というパターンも。メロディというかフレーズ、って言ったほうがいいかも。ギターリフとかシンセリフとかシーケンスパターンとか。

コード進行から

　アコギ弾きがよくやる（偏見）。よく使われてるようなコード進行から始める分にはどんな曲にもできるが、変な凝ったコード進行から始めると変な曲になる。コード進行だけではテンポもメロディもリズムも絞られないので比較的自由。よく使われてるようなコード進行はなんかそういうサイトとかから拾ってきたりその辺の曲を耳コピすればいいと思う。よく使われてるから。凝ったコード進行が凝ってるかどうかはよく使われてるコード進行がそもそもどういうものなのか知らないとどうしようもない。自分では凝ってるつもりでも世間的にはそうでもないかもしれないが、気にしてはいけない。

リズムから

　自転車に乗ってる時によくあった。（最近乗ってない）リズムが決まるということはテンポも同時に決まり、乱暴な言い方をするとジャンルもほぼ決まる。（リズムに依らないジャンルももちろんあるが）というかリズムを決める時点でそのリズムを織りなすドラムの音色、ベースやらとの絡み方なんかも決まるはず。前述のメロディとコードはリズムから導き出すのはなかなか難しいのでがんばる。ループ多めの曲とか作るジャンルが決まってる時はとりあえず4小節くらいドラム打っておいてループさせながら他の部分作ってくとブレない。いや別にブレてもいい時はいいんだけど。

音色から

　音色からインスパイアされる系のやつ。シンセのプリセットを漁ってると面白い音があってそこから色々出てきたりします。JUNO-D買った時とかとりあえず音色一個ずつ鳴らして適当に即興で遊んだりしました。シンセで音をイチから作るようになってからは作った音から。（プリセット漁るのめんどくさい）音色からフレーズを作るもよし、コード進行を作るもよし。

アイデアから

　現代音楽にありがち。現代音楽以外ももちろん作れるが。要は音以外のものから音を作る行為。宇宙から来た電磁波とか円周を求めるための数列を音に変換するような数値の変換。○○の音だけで作る、みたいなコンセプト系。あ、っていうかアイデアからってのは全部コンセプト系なのでは？まぁつまりはそういうことです。非音楽的音楽という矛盾。そもそも音楽的とはなんなのか。宇宙とは何なのか。

歌詞からつくる（20160524追記）

　入れようかどうか迷った挙句結局追記。歌詞から作るとなると音楽的作業としてはメロディから作ることになることが多くなると思う。メロディ以外から作るにしてもそれは歌詞というコンセプトから作る、ということになる。ので、まぁいっかなーとか思ってたんですけど。歌詞を先に作ることでメロディーのリズム・音運びを言葉に合わせて作っていけるのでメロディーは作りやすくなる。単純に文字数に合わせるだけもよし。

そんな感じでした。